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（本文轉譯自Beatport News，作者為Eric Coomes）

音樂產業先鋒與業界領袖上週於拉斯維加斯的The Cosmopolitan齊聚一堂，出席第二屆年度EDMBiz會議。參與此會議的成員來自產業各階層，包括經紀人、代理、活動推廣、藝人、廠牌、發行商、製作人、廣告代理、品牌與技術平台等多方角色。透過Pasquale Rotella與其Insomniac活動團隊的介紹，眾人進行了兩天的簡報與討論。

同一時間，北美最大的電音舞祭～電子雛菊嘉年華也同時在拉斯維加斯展開。盛會當前，六百名EDMBiz與會者討論與爭辯了許多議題，包括執行、廣告、品牌、合約、社群媒體、科技、電音舞祭、直通粉絲模式與維持社群等議題的最佳方案，以及電舞音樂的快速普及的現象。

Jason Bentley

在EDMBiz的主辦與共同策展人～KCRW電台的Jason Bentley引言之後，Lollapalooza的共同創辦人～Marc Geiger與Perry Farrell兩人的對談正式展開，為整場活動拉開序幕。Marc Geige的身分是William Morris Endeavor的音樂指導，Perry Farrell則是前Jane’s Addiction的歌手。自他們於1991年構思創立Lollapalooza後，此兩人曾在工作上緊密搭檔很長一段時間。身為夢想家的Perry Farrell與善於築夢的Marc Geiger合作無間，兩人成功將Lollapalooza打造成頂級電音舞祭，並且由美國擴張至南美。在House誕生之地芝加哥，Perry Farrell的舞台帳棚擴張速度遠高於電音舞祭的其他部分。Perry Farrell在對談中與參與者分享他對未來的願景：沉浸式戲院。他認為在電舞音樂經歷了令人振奮的成長以後， 電音舞祭下一波發展重點將放在與演員的實況互動經驗，使得參加者感到自己是整個表演的一部分。

Perry Farrell將對於未來的展望設定為整場會議中不斷再現的主題：電舞音樂的創新。隨著類別與文化不斷演進，從華爾街到麥迪遜街人人都在擁抱電舞音樂，因此這個工業的領頭者必須要找到商業主流與地下之間的平衡：在鐵桿擁護者與新生代粉絲間的平衡，在媒體與粉絲間的平衡，在廠牌與藝人間的平衡。

Perry Farrell

在On the Beat分組座談中，主流的記者與獨立媒體討論了涉獵這個持續進化的類型的挑戰與策略。討論過程中出現一個有趣的觀點：在Dancing Astronaut這個部落格中，主要讀者有60-70%是男性（儘管根據In the Mix的報導，男女比例是比較平衡的55/45）。這個狀況引發參加者討論為何電舞音樂是一個男性宰制的類型，而主流DJ也多半是男性。

這些對話將討論順勢引入下一個主題。Little Empire Music業主Stephanie LaFera，與身兼In the Mix 總經理與Billboard撰稿人的Kerri Mason，向參加者介紹了他們最近的合作產物，一項支援女性企業家進攻電舞音樂產業的計畫：SkyLight。這個計畫將會提供這些女性企業家產專人士指導、充滿機會的人際網，並發展同好與老手的社群作為後援。LaFera與Mason倆人已蓄勢待發，準備引介更多新一代女性企業家進入電舞音樂社群。

Kerri Mason

科技話題在會議中也受到熱烈的討論。電舞音樂大受北美青少年歡迎此一現況，與科技演進之間，兩者有著緊密的關連性。在去年一整年，售票量成長為四倍；透過破除藝人與粉絲間的藩籬，業界粉碎了舊的商業模式。粉絲可以直接透過SoundCloud一類的社群網站直接向藝人下載音樂。藝人Kenna指出，當下的世界是由策展人驅動的。音樂的來源極端龐大～Beatport執行長 CEO Matthew Adell指出，每週有22000首新歌在Beatport上發行。大家都想得到最好的東西，他們需要策展人的協助。即使是最通曉技術的青少年，依舊需要藉由satellite radio一類的媒體去發掘新歌。在此狀況下，作為工業領導者，應該如何將好的內容傳遞給粉絲？

其中一種方法，是透過YouTube頻道建立吸引人的內容。根據YouTube音樂內容與同盟經理人Elliott Walker的介紹，每一人都應該要有一個YouTube頻道。在這種平台上無論是想對音樂估值，或是追蹤播放與分享率，都可以藉由分析元資料達成。若粉絲不斷點播藝人的音樂，透過在YouTube或Spotify上對音樂進行估值，則藝人真的能夠賺到更多錢。

電舞音樂從未向流行、嘻哈或R&B音樂一樣，有過由上而下的行銷體系支援。但得力於社群媒體不斷增加的用戶，藝人依舊可以成長得非常快。事實上，科技才是被音樂驅動的那方。諸如iPod或YouTube，都是因為藝人與粉絲大量使用它們下載、聆聽與分享，才能取得如此成功的地位。

電舞音樂能夠得到多大的成功？座談與會者花了一點時間辯論其成長曲線。我們現在看到的成長陡峭爬坡，會持續上升成為一個廣大持久的市場嗎？或是我們現在已在坡頂？有許多因素需要一併考量。在實體面上，2013年的電舞音樂已成為優秀的娛樂體驗。這就是為什麼人們前仆後繼投入電音舞祭，因為這是相對新的市場。在數位面上，粉絲非常激情，使得市場有點混亂，這也吸引了風投的眼光。機構風險合伙公司的Todd Chaffee表示，當風頭投業者看到市場混亂時，他們便決心投入，因為恐龍倒下後市場將釋出更多機會。如Chaffee的投資人手握百萬現金，隨時準備投資電舞音樂文化與工業，並積極尋求機會。

Todd Chaffee

投資者究竟在尋找什麼？能解決粉絲與消費者切身問題的答案。你有獨到的見解嗎？你的市場吸引力是什麼？你能將自己的產品差異化嗎？你的商業模式是什麼？你的管理團隊有多強？新的電舞音樂若想走得更長遠，就必須在創意與音樂兩方面不斷進化。這場好戲在美國市場目前還處於開演階段。像荷蘭一類的國家，每週末都有六至八場電音舞祭活動。與會者都同意，電舞音樂已經成為文化現象，在許多層面上影響著我們。

隨著電舞音樂的成長並面臨新的挑戰，許多討論聚焦在提供方向或指導上。葛萊美獎副總裁Bill Freimuth在會中宣佈，葛萊美獎將有電舞音樂專屬的提名審查委員會。Beatport 執行長 Matthew Adell 強調，為了幫助推動電音文化持續邁進，有必要成立電舞音樂的專屬組織，以此宣傳團隊作全球性的宣傳。

「我非常在乎一件事。那就是，在擴音喇叭前超凡的時刻。那些時刻改變了人們的生活。時間凝結了。當我走出那些時刻，我成為更好的人。」Matthew Adell 表示。「沒有活動就無法成就那些時刻，藝人們沒有收入就無法成就那些時刻。我們各自有不同的計畫，但我們有共同信仰的力量。力量越大，責任就越大。讓我們促生全球性的宣傳組織，為推動文化向前貢獻心力。」

AFEM 顧問委員會成員Martin Gontad、Creamfields阿根廷製作人 Maria May、CAA的代理與Big Beat/Atlantic總經理Liz Miller都親上舞台支持Matthew Adell 的呼籲。

Matthew Adell

本次會議中最有趣的段落，應該是來自Creative Artist Agency的管理夥伴Rob Light，有關於如何創造定義下個30年電舞音樂的次世代巨星的發言。他的團隊設想諸多方案，使藝人能立於不敗之地。「EDM即將經歷世代性的大變動，」他表示。「轉捩點即將到來。有人將之與25年前的嘻哈大爆發類比，但我認為它將遠不只如此。我認為這個時刻堪與60年代相提並論。在60年代，搖滾樂很酷，但仍屬地下。在1964年，電視方才崛起，但直到披頭四走進蘇利文劇場的那一刻前，沒有人知道到底發生了什麼事～而世界已經在那一刻起完全改變了。那個時刻催生了反文化與青年運動。如今我們正站在相同的轉捩點。如今的年輕人掌握科技，就如同當年的年輕人掌握電視。他們將這些科技應用在音樂與電音舞祭上～這是一個充滿機會的時刻。」

在60年代，各種音樂祭為數百個樂團與隨後六七年間產生的經典音樂舖下康莊大道。相同的事正在我們的眼前發生，科技提供了許多新的機會。

Rob Light強調了發掘新星的重要性，這些新星需要有機會發光發熱。我們必須找到方法，讓音樂與舞者能夠與青少年使用科技的方法結合，以豐富體驗。我們必須持續創新，即使那代表我們得設法讓電音舞祭行動化～譬如，將Coachella的舞台帳棚巡迴駐紮在美國的各角落，或是做某些沒人見過的事情。

「沒人知道將來會發生什麼。我們必須擁抱改變。EDM終將成為這個世界上最重要的音樂類別，而我們正站在歷史的起點。」Rob Light表示。

Rob Light

工業先鋒Pete Tong 贊同Rob Light的觀點。長久以來，Pete Tong一直利用他在BBC 1的平台廣為宣傳，介紹許多新星與頂尖創意。但Pete Tong同時也表示，我們必須找到地下和商業間的平衡點。

出身澳洲的Triple J 是最酷的廣播電台，但他們依舊保持著酷勁與地下。他們對商業敬而遠之，因此聽眾數量始終有限。(http://www.abc.net.au/triplej/)

Pete Tong 對於電台最為媒體平台一事給予正面評價。他認為人們喜歡約定的感覺，而且喜歡同時聽同一件事～這使得電台節目更像是種活動。「我們需要空間表揚創意。」Pete Tong表示。在音樂人口大幅揚升之際，我們應該如何掌握先機？

Pete Tong

來自全國各地的夜店業者分享了有關於人員管理、活動推廣、預定DJ與執行場地的經驗。在紐約、拉斯維加斯與雪梨等地經營Tao、Lavo與Marquee等夜店的業主Jason Strauss表示，隨著開業地點的不同，夜店的經營策略也需要做調整。在拉斯維加斯，網站通常是最佳宣傳工具，社群媒體只是輔助工具。「社群媒體吸引了業主們的關注，但網站才是堅如磐石的一切根本。網站能提供的分析資料遠勝於其他來源。」Jason Strauss提到。

九年前，當Marquee首度於紐約開張時，紐約的市場主要由場景驅動，成功關鍵在於場景找到怎樣的顧客。借鑑拉斯維加斯的Marquee成功以電舞音樂為主軸成為當地主流夜店的經驗，Jason Strauss與其團隊大膽嘗試重新打造紐約的Marquee，使其成為以音樂驅動，類似音樂會的體驗。

Jason Strauss

夜店必須時時重新改造，重新定位自身品牌，以為自身保鮮。談到推廣夜店活動，設法讓客戶有機會試用一直都是個好策略～包括藝人的影片與SoundCloud上的混音等。教育舞客關於活動中藝人的種種，他們會更有意願參與活動。鼓勵大家在分享相片時下標籤，並鼓勵互動，將他們連結在一起。

來自The Windish Agency、 Circle、 Ace Agency、William Morris Endeavor、 AM Only與CAA的頂尖人才代理人，討論了在協助藝人發展與展演空間塑造的過程中，他們自身的角色定位。代理人能在面對某些已知挑戰時提供後援，包括處理藝人在主要電音舞祭之後的空窗期。他們同時也強調讓藝人清楚自身在市場的定位的重要性。

會議的閉幕活動是由 Afrojack、 Dash Berlin、 Dirty South與Borgore等多名藝人共同進行的座談會。 Afrojack指出貫穿整場會議的主要話題：電舞音樂的興盛會不會是泡沫一場？「這並不是泡沫～理由很簡單，」 Afrojack說，「若你做的音樂是好音樂，你就會成功，若不是這樣，你就不會成功。」座談會中其他藝人都肯定這段話。對於藝人來說，想要出名最好的方法就是做好音樂。對電舞音樂保持熱情，隨時學習新技術，保持批判態度，接受他人批評，讓自己更上層樓。

Afrojack

現下，風投業者對電舞音樂市場躍躍欲試，各大公司正在尋求合作夥伴。預估整體產業每年將有20%的成長，前途看來不可限量。

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出處：Beatport news “EDMBiz gathers industry leaders to discuss future of dance music”
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